Las 13 películas de 2013 (lista personal)

Finaliza 2013 y de nuevo es costumbre realizar todo tipo de listas sobre las mejores películas de la temporada cinéfila. 

Tal y como hice el año anterior, presento una selección de films que han colmado sobradamente mis expectativas. No pretende sentar cátedra ni excluir a otras cintas, sencillamente es una apreciación puramente personal que quiero compartir con vosotros. Quedará abierta la reflexión y el espacio para las listas de cada uno en la sección de comentarios.

Como siempre, películas que van a ser importantes en la temporada de premios no han podido ser incluidas porque no han llegado a las salas españolas durante la fase final de 2013. Entre ellas, debemos denunciar, una vez más, que aún no hayamos podido ver Inside Llewyn Davis, Lone Survivor, August: Osage County, The Wolf of Wall Street, American Hustle, Nebraska, Saving Mr. Banks, Dallas Buyers Club, o Labor Day.

La lista definitiva no está ordenada por preferencia. En un intento de romper con el encasillamiento que se prodiga en este tipo de ránkings, la cifra final de películas no es un número redondo y la colocación sigue únicamente el criterio alfabético de los títulos en inglés. Feliz año 2014!!!

12 Years a Slave 

(Fox Searchlight Pictures / Summit Entertainment)

8,7 en IMDB

En 1841, Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor) vive plácidamente, como ciudadano libre, en Saratoga Springs (New York) junto a su familia. Carpintero y diestro en el manejo del violín, se ha convertido en un miembro respetado de la comunidad. Allí es contactado por los propietarios de un circo ambulante que le ofrecen contratarle para una gira de actuaciones. Tras un espectáculo en Washington, Northup y los dos hombres cenan amigablemente pero, unas horas después, Solomon despierta encadenado pues ha sido drogado y vendido como esclavo a unos traficantes. [Seguir leyendo...]

Captain Phillips 

(Columbia Pictures)

8,1 en IMDB

Captain Phillips, película basada en el libro autobiográfico “A captain’s duty: Somali Pirates, Navy Seals, and Dangerous Days at Sea”, narra la historia del capitán Richard Phillips y su tripulación al ser secuestrados por piratas somalíes mientras surcan las aguas del Índico a bordo del buque de carga MV Maersk Alabama. [Seguir leyendo...]

Django Unchained 

(Columbia Pictures / The Weinstein Company)

8,5 en IMDB

Quentin Tarantino siempre se ha caracterizado por reunir una amalgama de influencias sobre las cuales construye algo nuevo. Como uno de los máximos exponentes del posmodernismo en el cine, QT pertenece a una generación de realizadores que hacen cine a partir de la referencias procedentes de películas previas. Así ha sido como su poderosa filmografía se ha vertebrado entorno a sucesivos homenajes a los géneros y estilos narrativos de su predilección. [Seguir leyendo...]

Gravity 

(Warner Brothers)

8,4 en IMDB

El espacio exterior inunda la pantalla y, ante la imagen poderosa de la Tierra, el objetivo se va acercando a un pequeño artefacto que, a medida que va ganando proximidad, resulta ser un transbordador espacial norteamericano que está conectado al satélite Hubble. Pronto descubrimos que la doctora en ingeniería Ryan Stone (Sandra Bullock) está realizando labores de actualización de los sistemas del satélite en su primera misión en el espacio. Hay otros miembros en la tripulación pero el que más destaca es el comandante Matt Kowalski (George Clooney), un veterano astronauta en su última aventura más allá de la atmósfera. [Seguir leyendo...]

Lincoln 

(Walt Disney Studios / 20th Century Fox)

7,5 en IMDB

Enero de 1865. Abraham Lincoln ha conseguido que la Decimotercera Enmienda a la Constitución haya pasado la aprobación del Senado pero le sigue faltando el consenso en la Cámara de Representantes para que pueda ser definitivamente promulgada. La abolición total de la esclavitud es el objetivo que quiere lograr antes de la finalización de la Guerra Civil puesto que una aprobación posterior podría acarrear problemas en la reconstrucción del país. Pero ¿cómo podrá conseguirlo ante un panorama político tan desfavorecedor? [Seguir leyendo...]

Man of Steel 

(Warner Brothers)

7,4 en IMDB

La figura de Superman en el cine necesitaba de una reformulación que permitiera establecer una base sobre la que se pudiera generar una franquicia estable. Warner Brothers decidió buscar a los mejores creativos que tenía a su alcance y el resultado ha estado a la altura de lo esperado. Man of Steel es una obra sólida, magna, épica, que además es capaz de ocultar alguna de sus flaquezas gracias a la contundencia de una puesta en escena que, en ocasiones, puede llegar a superar la capacidad de aprehensión por parte del espectador. [Seguir leyendo...]

Oblivion 

(Universal Pictures)

7 en IMDB

Oblivion despertó en mí una sensación inesperada. Acudí a la sala de cine pensando en un film de ciencia ficción, de factura técnica impecable, pero no pensé que tendría una repercusión más allá del entretenimiento. [Seguir leyendo...]

Prisoners 

(Warner Brothers)

8,1 en IMDB

Con guión de Aaron Guzikowski (Contraband), dirección de Denis Villeneuve (Incendies) y fotografía del maestro Roger Deakins, Prisioneros se convierte desde el primer momento en una obra fantástica, magistralmente interpretada por  todo su elenco protagonista. Su ambientación sórdida, tenebrosa y desasosegante, hace que el espectador no quiera perder ni un instante de la trama dramática sobre la desaparición de dos niñas pequeñas, en un barrio obrero del interior del estado de Pennsylvania, mientras van de camino a la casa de una de ellas. El paisaje húmedo y lluvioso en todo momento, reflejo del otoño que empieza, no hace más que intensificar esta sensación de desesperación, misterio, y duda sobre qué debe haber ocurrido con ellas. [Seguir leyendo...]

Rush 

(Universal Pictures / StudioCanal)

8,3 en IMDB

En 1976, el austriaco Niki Lauda era el vigente campeón del mundo de Fórmula 1 y el piloto de referencia de la poderosa escudería Ferrari. Cuando estaba lanzado hacia su segundo título consecutivo, sufrió un grave accidente durante el Gran Premio de Alemania, en el circuito de Nürburgring. Tras sufrir quemaduras graves, en cara y cabeza (perdió casi la totalidad de su oreja derecha), e inhalar gases tóxicos durante el incendio que se produjo en su monoplaza, Lauda tuvo que abandonar la competición siendo reemplazado por Carlos Reutemann. Su ausencia no fue prolongada, y en un arranque de valor extraordinario, el austríaco regresó seis semanas después del accidente. El Gran Premio de Italia, en Monza, presenció su vuelta a la competición. [Seguir leyendo...]

Silver Linings Playbook 

(The Weinstein Company)

7,9 en IMDB

Pat Solitano Jr. (Bradley Cooper) parece haber recopilado algunos "silver linings" en su particular manual de jugadas. Unas jugadas que van más allá de atacar o defender porque de lo que se trata es de recuperar el ánimo y luchar por volver a ser quien era. Vivir en el seno de una familia, con un profundo arraigo deportivo, explica buena parte de la forma de pensar y de actuar de los personajes. Y también contribuye a completar el sentido del título del film. [Seguir leyendo...]

Star Trek: Into Darkness 

(Paramount Pictures)

7,9 en IMDB

En 2009, JJ Abrams revitalizó, de una forma descomunal, la franquicia Star Trek y, gracias a la nueva propuesta argumental de sus guionistas Alex Kurtzman & Roberto Orci, creó una insólita oportunidad para la saga, en una línea temporal alternativa, que permitía ver a los personajes de la tripulación original del Enterprise ante nuevas situaciones, con cambios en sus trayectorias y vicisitudes, pero también con elementos que podrían coincidir con lo que conocemos, aunque siempre con diferencias. Esta vía abierta ofreció libertad, evitó el constreñimiento, y permitió trazar nuevas tramas para sorprender a la audiencia en los años venideros. [Seguir leyendo...]

The Great Gatsby 

(Warner Brothers)

7,3 en IMDB

Tras la Primera Guerra Mundial, Estados Unidos vivió una época de expansión económica sin parangón hasta ese momento. Combatir en una guerra y vencer pero no sufrir secuelas en terreno propio puesto que la refriega se desarrolló a miles de kilómetros de distancia, siempre ha sido una ventaja competitiva para las naciones que han podido llevarlo a cabo. [Seguir leyendo...]

Zero Dark Thirty 

(Columbia Pictures / Universal Pictures)

7,4 en IMDB

El escritor y periodista Mark Boal se ha destacado, en los últimos años, por su brillante e insistente análisis acerca de las consecuencias del 11-S. Su interés sostenido por este amplísimo tema le ha llevado a tratar la significación de los conflictos bélicos en Afganistán e Irak, al igual que la ofensiva contra las redes terroristas de Al Qaeda. En todo este trayecto, ha conseguido entrar en contacto con un gran número de miembros del ejército norteamericano y también de la comunidad de inteligencia. Su asociación con la directora Kathryn Bigelow aportó una visión, de gran formato, sobre hechos concretos del día a día en la vida de los artificieros norteamericanos durante la Guerra de Irak (2003-2011). En Tierra Hostil (The Hurt Locker, 2008) cimentó una colaboración profesional que ambas partes quisieron prolongar en el tiempo. [Seguir leyendo...]

La vida del esclavo Platt en Louisiana: reseña de 12 años de esclavitud

En 1841, Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor) vive plácidamente, como ciudadano libre, en Saratoga Springs (New York) junto a su familia. Carpintero y diestro en el manejo del violín, se ha convertido en un miembro respetado de la comunidad. Allí es contactado por los propietarios de un circo ambulante que le ofrecen contratarle para una gira de actuaciones. Tras un espectáculo en Washington, Northup y los dos hombres cenan amigablemente pero, unas horas después, Solomon despierta encadenado pues ha sido drogado y vendido como esclavo a unos traficantes.

Este es el inicio de una auténtica epopeya en la que un hombre libre es reducido a la lúgubre consideración de esclavo, un objeto más que puede ser vendido y comprado por aquellos que dispongan del dinero exigido. El descenso a los infiernos que suponía la institución de la esclavitud en el sur de los Estados Unidos, es glosado a través de la experiencia de un hombre que ya no puede decidir por sí mismo mientras una cadena le vincula a una plantación y a un amo.

Bajo el nombre de Platt, Northup pasará doce años de esclavitud en tierras de Louisiana. Trabajando en tres plantaciones, sufrirá toda clase de escarnios y presenciará situaciones abominables en carne propia y ajena hasta conseguir abrir un halo de esperanza gracias a un jornalero canadiense partidario de la abolición...

Basada en los hechos reales vividos por Solomon Northup y consignados en la autobiografía publicada en 1853, 12 Años de Esclavitud es un triunfo absoluto como drama histórico-social. La brillante adaptación concebida por John Ridley y puesta en imágenes por el realizador Steve McQueen (Shame), consigue conmover al espectador con un tono aparentemente pausado que esconde zarpazos de enorme violencia gráfica. La representación de una época se plasma en cada momento del metraje y la gravedad de los acontecimientos está siempre presente. Más allá de las escenas especialmente explícitas, subyace un tempo dramático constante que hace mella en la audiencia y le recuerda que está viendo algo que ocurrió no hace tanto tiempo, en un mundo en que este tipo de prácticas estaban amparadas por legislaciones de alto rango en múltiples países.

En el sur de los Estados Unidos, la esclavitud era una institución intocable, heredada por la colonización anterior de ingleses, españoles, y franceses. Las constituciones de los estados sureños amparaban la esclavitud como institución plenamente vigente y legal. Para el modo de producción establecido, fundamentalmente basado en la agricultura extensiva, los esclavos eran la pieza fundamental que permitía a la economía burguesa florecer. Mientras se admiraban las últimas piezas llegadas de París en la casa principal, se podían estar produciendo castigos y abusos de todo tipo en las viviendas de los negros que trabajaban en la plantación. La suprema injusticia se ocultaba bajo el lujoso manto de la hipocresía. El Sur defendió siempre su orden social y amenazó, durante décadas, con la guerra si se aprobaban leyes federales conducentes a la abolición de la esclavitud. Ese atentado contra su soberanía, que podía convertirse en conflicto bélico, mantuvo acongojados a numerosos presidentes y perpetuó un modelo de dos sociedades completamente diferentes, dos "mundos" en un solo país. Pero la llegada de Abraham Lincoln rompió esta tendencia puesto que él estaba decidido a iniciar un proceso de abolición afrontando todas las consecuencias.

El film glosa profundamente el estilo de vida en estos dos "mundos" que antes comentaba. Pero, a mi entender, lo mejor del film de McQueen es que también nos explica otras situaciones que se vivían en el día a día y que no son tan conocidas. La película es un recorrido por todas las aristas de un fenómeno complejo que no siempre se ha mostrado en toda su extensión a lo largo de la historia del cine.

En esta cinta vemos como muchos negros vivían integrados en la sociedad del norte como iguales antes de la llegada de la abolición. Eso no excluía el hecho de que hubiera otras personas que no habían nacido libres y estaban bajo el mandato de un amo. McQueen se encarga de que también lo veamos. En el sur, además de los terratenientes amables (Benedict Cumberbatch) y los crueles (Michael Fassbender), también se producían otras situaciones como, por ejemplo, que alguna esclava llegara a obtener tal favor de su amo que incluso contrajera matrimonio con el mismo después de ser liberada. Además, presenciamos como había ciudadanos blancos que, para satisfacer las deudas de juego, eran obligados a trabajar como jornaleros junto a los negros hasta saldar el compromiso. Así pues, a lo que ya conocemos, el film agrega varios elementos más que ayudan a explicar como vivía una sociedad, en un momento concreto.  

Es magnífico ver como el director recrea una época, con profusión de detalles, pero, a la vez, utiliza varios flashbacks que se integran a la perfección en la línea narrativa y que explican el background de varios de los personajes. En su primera incursión en el drama de época, McQueen demuestra un gran dominio del terreno en que debe moverse y se siente cómodo en todo momento. Gracias a ello, nos llega un argumento nítido y contundente, un drama clásico a partir de la visión contemporánea. 

La labor del reparto es suprema. Chiwetel Ejiofor brilla con luz propia en el papel de Northup / Platt. Como canalizador de la historia, demuestra una inmersión en el papel que destila autenticidad por los cuatro costados. Transmite el sentimiento de injusticia y de sufrimiento de una forma excelsa y demuestra su categoría al representar una amplia variedad de estados emocionales. Durante gran parte del metraje, se muestra como el ciudadano libre, esclavizado injustamente, que sigue teniendo esperanza de liberación. Pero, en la emotiva escena en que une su voz a los cánticos del coro, presenciamos como la resignación le vence y asume su destino como Platt, el esclavo listo e incómodo. Esa mezcla de clase y dignidad que le hicieron merecedor del papel, es la fórmula distintiva de una interpretación que merece todos los aplausos.

Qué decir también de Michael Fassbender. Estamos frente a uno de los mejores actores del momento, alguien que ya es capaz de convocar al público con su brillante trayectoria. En el papel del perverso, retorcido, y manipulable Edwin Epps, el actor británico impacta por su fiereza. Esa mirada penetrante y gestualidad exacerbada encajan perfectamente con un personaje que, pese a su vileza, despierta una extraña fascinación en el público y provoca el pánico y el interés a partes iguales. Sólo un intérprete de gran valía puede conseguirlo y el entendimiento que ha cultivado con Steve McQueen (ha intervenido en los tres largometrajes del realizador) hace el resto para asegurar el éxito.

Excelente labor también para Benedict Cumberbatch, Paul Dano (gran año de consagración para él), Lupita Nyong'o (impresionante debut en el papel de la joven Patsey), Paul Giamatti, y Sarah Paulson (en un papel más trascendente de lo que parece por la forma en que atormenta y manipula a Edwin Epps, elevando su agrevisidad).

En cuanto a Brad Pitt, cabe decir que se ha reservado un papel breve pero enormemente trascendente. Siendo uno de los productores de la película, acumula además un nuevo éxito artístico en su carrera. Dando vida a Samuel Bass, un canadiense trotamundos, liberal y abolicionista, protagoniza una escena antológica de enfrentamiento con Edwin Epps (Fassbender). En ella, ante la diatriba del terrateniente esclavista que defiende sus derechos de propiedad porque así le amparan las leyes, Bass responde con un argumento inquebrantable de justicia social: "Las verdades universales están por encima de las leyes". Una sentencia magna, profundamente liberal, y que conviene recordar, más que nunca, en los tiempos que estamos viviendo.

En definitiva, 12 Years a Slave es una cinta de enorme repercusión, conmovedora hasta la médula. También dura y cruel, con momentos dramáticos que subliman las escenas que presenciamos. Es un ejercicio de justicia y honradez. Es un título para la historia, preparado para múltiples revisitaciones.

El director, Steve McQueen, junto a cuatro importantes miembros de su reparto.

Navidad cinéfila: gracias por el apoyo!!!

Regresa la Navidad y con ella esa época simbólica en la que todo parece posible inundándonos de un sentimiento casi místico en el que deseamos compartir momentos felices con familia y amigos.

También es una oportunidad propicia para hacer balance y, en este año 2013, El Cine de Hollywood, ya con dominio propio, ha experimentado una consolidación y expansión muy importante. En su séptimo año completo de funcionamiento, el blog vive su mejor momento y todo ello es gracias a vosotros, los lectores y comentaristas. Vuestro apoyo es un pilar absoluto que favorece la creatividad del que está detrás de la pantalla pensando en nuevos artículos y reflexionando sobre los estrenos más recientes. En ocasiones, no puedo publicar tanto como me gustaría por las necesidades laborales que, a su vez, acarrean una escasez de tiempo y de concentración que se ha notado en algunos instantes de este año. 

En cualquier caso, escribiendo más o menos, siempre voy a estar aquí para seguir aportando artículos que puedan ser de interés. 

Hay que agradecer, agradecer, y volver a agradecer. En primer lugar, como siempre, quiero distinguir muy especialmente a los lectores más asiduos con los que, en muchos casos, hemos llegado a forjar amistad y cooperación. 

Xavi, Octopusmagnificens, Alfonsus, Mike Lee, Eva Buendía, Juan Pais, y Noega's Blue: formáis el "núcleo duro" de los lectores y comentaristas del blog. Vuestra fidelidad es digna de todo tipo de alabanzas y las aportaciones que hacéis son siempre brillantes y enriquecedoras. También quiero reconocer públicamente a Lluís Álvarez, Nostromopinion, Pabela, SithWolf, deWitt, Jim Nava, Emilio Luna, Dialoguista, Carlos Gallego, Teresa Garza, Roy Bean, Juan Roures, Manderly, Antonio Ruz, Clinisbud, Jordi Manrique, Gui Tar Mad, Oscar González Camaño, Tarquin Winot, mge, El Solitario de Providence, Silver Draper, Yota, Joan Xipell, UTLA, Muñekita Cat, y Paola Monter. Muchas gracias a tod@s.

Gracias también a los nuevos seguidores en Facebook (a través de los grupos The Deer Hunters, Cinemaniacs, y Blogs de Cine en Español) y en Twitter (ya somos más de 1100, ¿llegaremos a los 2000 el año que viene?).

Un abrazo a los amigos de El Pájaro Burlón. Que la creatividad y el intenso nivel de publicación no bajen nunca!!!

Como no podía ser de otra forma, un agradecimiento especial para Nestor Bentancor, mi amigo de allende los mares. Eres un auténtico crack y este año lo has demostrado con tu impresionante labor en DesdeHollywood. La voz hispana de información cinéfila, en la meca del cine, eres tú. Te lo mereces y lo has logrado. Las estrellas te conocen, los directores ya saben quien eres, y Guillermo del Toro ya es colega tuyo. Continúa con este magnífica labor y sigue iluminándonos con tus coberturas especiales y tus crónicas desde la fábrica de sueños. Gracias por darme la oportunidad de colaborar en tu site con la serie de artículos sobre la tercera temporada de Juego de Tronos. Fue una experiencia sensacional realizarlo!! Gracias por la confianza!!!

Gracias a Fran Marí. A finales del pasado año no fue posible mantener una colaboración que se había iniciado en el blog FMC Cine y había llegado a un punto de inflexión con el ebook "Mezclado, no agitado. El cine de James Bond". Pero ahora, volvemos a la carga y ya estamos trabajando en un nuevo proyecto que, a buen seguro, os interesará. Fran, vamos a por todas!!!

Ignacio Isern, durante este año hemos tenido la oportunidad de conocernos y empezar a charlar sobre temas cinéfilos. Has contribuido creativamente al blog aportando la reseña de Rush y sé que esta colaboración se mantendrá en el futuro. Muchas gracias y ánimo en todos tus proyectos!!!! 

Quería aprovechar la oportunidad para recomendar el blog recientemente iniciado por mi hermana mayor, Cristina Company. Senzillament, escriure se va a convertir, con el tiempo, en un fondo de vivencias y anécdotas en el que muchas personas se sentirán reflejadas pues recordaran momentos parecidos de sus vidas. Estoy convencido de que será un éxito porque reconozco, en sus artículos, el entusiasmo y dedicación que la caracteriza. Y cuando alguien reúne talento e interés, los resultados aparecen. Cristina, ets la millor germana gran del món!!!

Eva, gracias por haber entrado en mi vida. Eres mi luz, mi faro en los días de tormenta, tu apoyo me da fuerza y confianza. Eres mi amor. Este año has empezado también a escribir grandes artículos en el blog, el próximo paso es la co-autoría. Ya has firmado tu primer artículo como acreditada en blogger y esto es solo el principio!!! Te quiero infinitamente!!!

Concluyo con un vídeo navideño, muy cinéfilo, que os va a encantar. Esta navidad familiar tuneada según el enfoque habitual de varios directores tiene dos instantes cumbre: Wes Anderson y Martin Scorsese. Cual será vuestro preferido?

Y, después, podéis ver la primera promo que la ABC ha realizado sobre la próxima gala de los Oscar. Ellen DeGeneres, la presentadora, lidera un lip-dub en los estudios de Warner Brothers, acompañada por más de 250 bailarines. Nos espera un año de cine apasionante!!!  

Os deseo que paséis unas Felices Navidades y que el 2014 venga cargado de ilusiones, felicidad, y salud!!!

In Memoriam: Peter O'Toole (1932-2013)

Unos ojos azules alumbrando el desierto. Esa imperecedera imagen que David Lean fue capaz de sublimar en Lawrence de Arabia, seguirá siendo un icono del cine para las futuras generaciones. Una estampa reconocible al instante y representativa del carisma de uno de los intérpretes más brillantes de la historia: Peter O'Toole.

Peter James O'Toole nació en 1932 aunque se desconoce el lugar exacto. Existen dos partidas de nacimiento: una en Connemara (Irlanda) y la otra en Leeds (Inglaterra). En cualquier caso, lo que sí se conoce es que el joven O'Toole creció en Leeds dentro del seno de una familia de clase media. Su padre era un orfebre de metales de origen irlandés. También había sido jugador de fútbol, y gestor de apuestas de carreras. Su madre era enfermera y procedía de Escocia. O'Toole fue educado en la fe católica.

Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, fue trasladado a las afueras e inscrito en un colegio de monjas en el que sufrió constantes castigos físicos. Algunos de ellos procedían del hecho que era zurdo, algo que las monjas solían reprimir golpeándole la mano con repetida insistencia.

Finalizada la guerra, empezó a trabajar como periodista en un diario de provincias y posteriormente fue convocado para realizar el servicio nacional en la Armada Real. Su vocación, sin embargo, estaba en las artes y ya sabía que sería actor o poeta.

Tras ser rechazado por el Abbey Theatre de Dublín bajo la justificación de que no dominaba la lengua irlandesa, O'Toole entró en la prestigiosa Royal Academy of Dramatic Art (RADA) de Londres. Entre 1952 y 1954 aprendió los secretos de la interpretación mientras compartía clases con grandes talentos como Albert Finney, Alan Bates, y Brian Bedford.

Finalizada esta etapa de aprendizaje, empezó a trabajar en el teatro formando parte de la compañía del Bristol Old Vic, donde destacó en la interpretación de papeles shakespearianos. Empezó también a colaborar en proyectos de televisión para la BBC y a finales de los cincuenta debutó en el cine con un pequeño papel en El Robo al Banco de Inglaterra (The Day They Robbed the Bank of England, 1959). Tras alguna otra colaboración, tuvo la oportunidad de mostrarse al gran público cuando David Lean le escogió para el papel de T.E. Lawrence en Lawrence de Arabia (1962). Como suele suceder en estos casos, su elección para el papel protagonista ocurrió por el azar del destino. Marlon Brando era el elegido pero tuvo que rechazarlo por problemas de agenda. El segundo candidato, Albert Finney, declinó la oferta. Y así fue como un rol de tal magnitud fue a parar a un actor prácticamente desconocido.

El film es uno de los mejores de la historia y sigue manteniendo una fuerza impresionante gracias a una puesta en escena maravillosa y al vigor de un reparto estelar formado por Alec Guinness, Anthony Quinn, Omar Sharif, Jack Hawkins, José Ferrer, Claude Rains, y Arthur Kennedy. La interpretación de O'Toole fue maravillosa y la revista Premiere aún la sigue considerando como la número 1 de entre las 100 mejores de la historia.

La fama de O'Toole se elevó a escala mundial y también consiguió la primera de sus ocho nominaciones al Oscar. Convertido en una estrella, siguió trabajando en películas que le permitieran seguir creciendo como actor y así fue como formó parte de grandes clásicos como Becket (1964), Lord Jim (1965), o La Noche de los Generales (The Night of the Generals, 1967). También participó en cintas más ligeras como What's New Pussycat (1965) y How to Steal a Million (1966).

Otro momento cumbre en su carrera lo vivió cuando volvió a interpretar al Rey Enrique II (ya le había dado vida en Becket) en la suprema El León en Invierno (Lion in Winter, 1967). En su duelo interpretativo con Katharine Hepburn, volvió a recibir la nominación aunque la estatuilla dorada siempre se le resistía.

Interpretar al inalterable profesor Arthur Chipping en Adiós Mr. Chips (Goodbye Mr. Chips, 1969) fue otro gran reto porque tuvo que demostrar la evolución de un hombre tímido y recto en el trayecto hacia la expresión de los verdaderos sentimientos que siempre está reprimiendo. Una actriz de cabaret (interpretada por Petula Clark) sería la artífice de ese cambio.

Durante los 70 siguió combinando cine y teatro de forma habitual. Volvió a ser nominado en La Clase Dirigente (The Ruling Class, 1972), y participó en films tan dispares como La Guerra de Murphy (Murphy's War, 1971); Bajo el Bosque Lácteo (Under the Milk Wood, 1972), donde coincidía con el dúo Burton-Taylor; El Hombre de la Mancha (1972), un musical en el que casi nadie prestaba su voz original; Rosebud (1975); Yo, Viernes (Man Friday, 1975), donde encarnaba a Robinson Crusoe; Amanecer Zulú (Zulu Dawn, 1979); y Calígula (1979), dando vida al Emperador Tiberio.

Inició los ochenta con una poderosa intervención en una serie que ha quedado en la memoria de todos aquellos que éramos niños en la década de los 80 y soñábamos con batallas épicas casi siempre protagonizadas por las ordenadas legiones romanas. Este fue el caso de Masada (1981). 

Posteriormente, protagonizó otro de sus cintas más laureadas: Mi Año Favorito (My Favorite Year, 1982). O'Toole interpreta al ficticio actor Alan Swann, un antiguo héroe de películas de aventuras. Mujeriego y alcohólico empedernido, se le presenta la oportunidad de regresar del ostracismo cuando es invitado a formar parte de un show televisivo de fin de semana. Sin duda alguna, consiguió fundirse en el rol y aportar varias características que le resultaban comunes para componer un personaje excéntrico e inolvidable. Se trata de su mejor comedia aunque el trasfondo del argumento y todo lo que Swann oculta tras sus excesos, resulta profundamente dramático. La séptima nominación al Oscar llegó por esta interpretación pero volvió a perder nuevamente. 

En años posteriores participó en películas olvidables pero resurgió con el papel de R.J. Johnston en la oscarizada El Último Emperador (The Last Emperor, 1987). En las dos siguientes décadas, siguió trabajando de forma constante combinando teatro, televisión y cine. Con Troya (2003) volvió a formar parte de una película de grandísimo formato y aportó una enorme distinción al Rey Príamo, padre de Hector (Eric Bana) y Paris (Orlando Bloom).

Con Venus (2006) logró su octava nominación. En Ratatouille (2007) prestó su voz al crítico culinario Anton Ego, y en la segunda temporada de Los Tudor mostró de nuevo la fuerza de su arte en el papel del Papa Pablo III, que se opuso, con firmeza, a los planes de divorcio de Enrique VIII, precipitando el inicio del cisma protestante que acabaría creando a la Iglesia de Inglaterra.

Quedará para la historia como el actor más veces nominado sin haber ganado el Oscar. Por todo ello, la Academia decidió otorgarle la estatuilla honorífica en 2003. Meryl Streep le presentó y estas son las imágenes:

Su pasión por el trabajo nunca menguó y, con más de noventa títulos a sus espaldas, se embarcó en una nueva superproducción histórica: Katherine of Alexandria. La cinta se estrenará el próximo año y constiturá el colofón a una magna carrera artística. O'Toole fue un titán de la interpretación y, como dicen algunos, ahora se estará divirtiendo con sus colegas y amigos (Richard Burton, Richard Harris, Oliver Reed...) que ya le esperan en un local donde siempre habrá barra libre.

Y, para finalizar, unos pequeños extractos de cinco de sus películas más importantes: Lawrence de Arabia, Becket, La Noche de los Generales, El León en Invierno, y Mi Año Favorito.

"The Best of Them Won't Come for Money, They Will Come for Me!" 

En su duelo interpretativo con Richard Burton, pudimos asistir a la excelencia suprema de la interpretación británica.

Viendo el autoretrato de Vincent Van Gogh, el general Tanz contempla a un símil suyo. En la mirada del artista ve reflejada su locura y sus más terribles miedos salen a la luz. Sin embargo, este momento crítico que va a vivir le atraerá de nuevo. Es la extraña fascinación que despierta la neurosis obsesiva.

"My life, when it is written, will read better than it lived..."

Swann observa a su hija desde lejos y no se atreve a hablarle, como si fuera el recuerdo de una vida que nunca estuvo interesado en cultivar.

In Memoriam: Joan Fontaine (1917-2013)

 Joan de Beauvoir de Havilland, más conocida como Joan Fontaine, falleció ayer mientras dormía en "Villa Fontana", su casa en Carmel (California). 

Aunque sus padres eran británicos, tanto ella como su hermana mayor, la también grande Olivia de Havilland, nacieron en Tokyo (Japón). Su padre, Walter Augustus de Havilland, era un graduado de Cambridge que ejercía como profesor de inglés en la Universidad Imperial de la capital nipona. Posteriormente, pasó a ser abogado de patentes y, al parecer, usó los servicios de geishas de forma habitual. Su esposa, Lillian Ruse, se separó al conocer dichos detalles y, en 1919, se trasladó a Saratoga (California) con sus dos hijas.

Cuando tenía dieciseis años, Joan regresó a Tokyo para vivir con su padre graduándose en el American School in Japan en 1935. A su regreso a los Estados Unidos, su hermana ya era una estrella ascendente en el universo de Hollywood. La voluntad de su madre, que había sido una notable actriz de teatro en su juventud, siempre había sido la de lograr que sus dos hijas triunfaran en el mundo de la interpretación. Joan se mostró reacia en un principio pero el triunfo de su hermana, con la que siempre mantuvo una extraordinaria rivalidad, la motivó para iniciar su camino en los escenarios donde pronto fue conocida por el nombre de Joan Fontaine (el apellido era el que su madre había utilizado durante su carrera artística).

La RKO decidió contratarla haciéndola debutar en el film No More Ladies (1935), protagonizado por Joan Crawford y Robert Montgomery. Tras dos películas más en las que interpretó papeles de apoyo para el lucimiento de Katharine Hepburn, el estudio comprobó que tenía una estrella en ciernes y le ofreció su primer rol protagonista en The Man Who Found Himself (1937). Posteriormente, siguió interviniendo en una serie de films importantes: A Damsel in Distress (1937), junto a Fred Astaire, Gunga Din (1939), al lado de Cary Grant,  y la multiestelar The Women (1939), de George Cukor, donde se reunió un reparto coral femenino de primerísima línea. Sin embargo, el éxito de algunas de estas producciones no fue el esperado y la RKO consideró que Fontaine no había impactado lo suficiente.

Concluido su contrato, Fontaine buscó nuevas posibilidades pero quiso el destino que la mejor oportunidad de su vida le llegara gracias a David O. Selznick, quien había producido la inmortal Lo que el Viento se Llevó (Gone with the Wind, 1939) en la que su "adorada" hermana había logrado ser nominada a los Oscar como actriz de reparto. Selznick buscaba repetir un gran éxito con la adaptación de la novela de Daphne du Maurier, Rebeca. Con los derechos asegurados, ya había contratado al director británico más prometedor del momento quien, por primera vez, iba a rodar en Hollywood. Se trataba de Alfred Hitchcock, al que algunos auguraban que su estancia en Los Angeles sería muy fugaz. Los agoreros del fracaso estaban incurriendo en un fallo épico.

Pero ¿quién interpretaría a la segunda esposa de Maxim de Winter?. Los agentes habían movilizado a todas sus representadas en un proceso similar al que se vivió con el casting de Scarlett O'Hara para Lo que el Viento se Llevó. Fontaine consiguió entrar en las audiciones después de coincidir en una cena con Selznick en la que hablaron de la fuerza que el texto de Du Maurier desprendía, para el cual se necesitaba a una actriz de apariencia frágil pero que fuera capaz de ir sobreponiéndose a la alargada sombra de su predecesora hasta lograr prevalecer.

Después de seis meses de pruebas, Fontaine acabó siendo la elegida desbancando a actrices como Loretta Young, Margaret Sullavan, Anne Baxter, e incluso Vivien Leigh. Hitchcock y Selznick vieron en ella la adecuada mezcla de inseguridad, tenacidad, y belleza que debía distinguir a su personaje. En honor a la verdad, hay que decir que esa inseguridad fue alimentada por su pareja en la ficción, Laurence Olivier, quien había tratado de imponer a su esposa, Vivien Leigh. Su trato cruel y despótico durante el rodaje influyó notablemente en Fontaine y Hitchcock lo consintió puesto que así pudo conseguir la reacción en pantalla que tanto le interesaba mostrar.

Rebeca fue un éxito crítico y comercial espectacular, obteniendo además 11 nominaciones para los Oscar (Fontaine fue nominada como mejor actriz) y alzándose con dos estatuillas, entre ellas la de mejor película de 1940. Con semejante éxito, Joan se convirtió en una de las estrellas femeninas de referencia y llegó a estar más solicitada que su propia hermana. En el marco de esta lucha titánica entre ellas, Fontaine se apuntó un gran tanto al conseguir ganar primero el Oscar por su interpretación en el siguiente clásico de Hitchcock: Suspicion (Sospecha, 1941). Además, tuvo la oportunidad de batirla en la propia categoría de mejor interpretación femenina puesto que Olivia estaba nominada por Si No Amaneciera (Hold Back the Dawn). Cuando Fontaine fue anunciada como ganadora y recorría el trayecto hacia el escenario, De Havilland trató de saludarla pero la primera rechazó ese acercamiento. Eso alimentó las columnas de cotilleos hollywoodienses durante largo tiempo. Se dice que Olivia se perjuró volver a superar a su hermana y así fue cuando obtuvo dos Oscar a finales de la década de los 40.

Sobre la enemistad entre estas dos hermanas se ha escrito mucho. Al parecer, durante la infancia, Olivia había sido la preferida de la madre. Y, bajo ese amparo, Joan recibía constantemente el tormento de su hermana mayor. En varias apariciones públicas se demostró la falta de aprecio que se tenían aunque se mantuvieron en contacto hasta 1975 cuando, tras morir la matriarca, ambas se enzarzaron en reproches sobre la presencia en el funeral. Nos movemos en el terreno de la especulación pero es evidente que hubo siempre un gran rencor entre ellas aunque han entrado en la historia por haber sido las dos únicas hermanas que han ganado el Oscar en toda la historia de los premios. Como testimonio de esta rivalidad sin cuartel vale la pena recordar una de las frases más célebres que pronunció Joan Fontaine al respecto:

"I married first, won the Oscar before Olivia did, and if I die first, she’ll undoubtedly be livid because I beat her to it!”

Fontaine se mantuvo en el estrellato a lo largo de toda la década de los 40 con títulos como La Ninfa Constante (The Constant Nymph, 1943), Jane Eyre (1943), Mis Cuatro Amores (The Affairs of Susan, 1945), Abismos (Ivy, 1947), El Vals del Emperador (The Emperor's Waltz, 1948), y por supuesto Carta de una Desconocida (Letter from an Unknown Woman, 1948), donde bajo la dirección de Max Ophüls y junto a  Louis Jordan, brinda una de sus mejores interpretaciones. 

El juicio por la custodia de su hija impidió que pudiera aceptar el papel de Karen Holmes en De Aquí a la Eternidad (From her to Eternity, 1953) siendo sustituida por Deborah Kerr. Sin embargo, en esa década, pudimos verla en títulos como Ivanhoe (1952), The Bigamist (1953), y Una Isla al Sol (Island in the Sun, 1957). Fueron los últimos coletazos de una carrera que se iba terminando por falta de ofertas pero que permitió que sus films clásicos fueran aún más mitificados y reverenciados por generaciones posteriores. Desde finales de los 60, realizó colaboraciones en series de televisión en las que, bajo el epígrafe Special Guest Star, siguió aportando prestigio a los proyectos. Su último trabajo televisivo data de 1994, momento tras el cual se retiró definitivamente.

Tras una larga y fructífera vida (también polémica, por qué no decirlo), una estrella nos deja. Pero su luz nos seguirá iluminando desde el firmamento.

Abordaje en el Índico: reseña de Capitán Phillips

Captain Phillips, película basada en el libro autobiográfico “A captain’s duty: Somali Pirates, Navy Seals, and Dangerous Days at Sea”, narra la historia del capitán Richard Phillips y su tripulación al ser secuestrados por piratas somalíes mientras surcan las aguas del Índico a bordo del buque de carga MV Maersk Alabama. 

La historia está dirigida soberbiamente por Paul Greengrass (United 93, El Mito de Bourne, Green Zone: Distrito Protegido), realizador británico que debutó con la película Resurrected en 1989. Con Bloody Sunday, en 2002, se dio a conocer al gran público iniciando el estilo semi-documental que es característico en muchos de sus proyectos.  Su mayor éxito internacional hasta el momento ha sido El Ultimátum de Bourne (2007).

Debutando en el Festival de Cine de Nueva York, en septiembre de 2013, y en los cines estadounidenses el 11 de octubre del mismo año, Capitán Phillips ha llegado este año a nuestras carteleras contando una historia basada en hechos reales que ha sido duramente criticada por la tripulación real: aseguran que, en su momento, el capitán no actuó tan heroicamente como Greengrass nos cuenta en la cinta.

El auténtico capitán Richard Phillips y su alterego en la gran pantalla.

Protagonizada por Tom Hanks (en el papel de capitán), al que acompañan Barkhad Abdi, Barkhad Abdirahman, Faysal Ahmed, y Mahat M. Ali (en los papeles de piratas que atacan el buque), la película pone de relieve una vez más que aquellos que atacan, la mayoría de veces, se ven obligados a delinquir debido a su extrema pobreza. En la película de Greengrass vemos que los piratas no son los típicos villanos egoístas sino que son personas extremadamente pobres que no tienen nada que perder. Su extrema ignorancia les lleva a pensar que la fortuna que consiguen de cada navío que secuestran, y por el que piden un rescate, está más que justificada que se la quede aquél que los ha contratado mientras ellos se quedan con escasísimos beneficios.

De esta magnífica película habría que resaltar dos aspectos que, desde mi punto de vista, la hacen genial: el primero, que Greengrass apueste por actores no profesionales para encarnar a los piratas (de entre los cuales, destaca Abdi en el papel de Muse, el único de los cuatro que se preocupa realmente por lo que les pueda suceder) y que, en un segundo plano muy presente a lo largo de toda la cinta, se esté tratando y denunciando los efectos negativos de la globalización y el abandono por parte de las primeras potencias de las naciones pobres del planeta.

El dúo Hanks-Abdi otorga a la película una tensión dramática intensa gracias a escenas brillantes donde los dos saben qué lugar ocupa el otro, dándose en todo momento ciertas concesiones de respeto dentro de su obvio antagonismo. El primero entiende cuál es la situación desesperada del segundo para poder sobrevivir y, este último, sabe que el capitán hará todo lo necesario para salvar a sus hombres. Solo les une un pensamiento: creer la misma idea de que el Gobierno de los Estados Unidos puede solucionar la situación favorablemente para ambos. 

A  lo largo de sus magníficas interpretaciones (algunos ya barajan el nombre de Abdi como posible candidato a los Oscar como actor secundario), vamos viviendo con ellos la puesta en escena que lleva a cabo Greengrass: la de una historia basada, ante todo, en el vínculo de rivalidad-respeto que mantienen estos dos hombres que provienen de orígenes tan sumamente diferentes y qué les ha hecho llegar hasta donde están en el momento en que se narra en la cinta.

Valorada como “inteligente, potentemente actuada e increíblemente intensa” por los críticos norteamericanos, Capitán Philllips le da la posibilidad a Abdi de empezar una muy prometedora carrera como actor y a Hanks le brinda otra oportunidad para añadir otra gran interpretación a su ya extensa trayectoria, cada vez más regida por papeles sobrios y perfectamente estructurados.

¿Quién ganará? ¿Quién perderá? ¿Realmente el gobierno estadounidense quiere salvar a sus hombres o quieren solucionar el problema para evitar conflictos en aguas internacionales?

Greengrass dirige excelentemente esta trama real, dura, y a la vez emotiva a través de sus dos protagonistas. Nos hará cuestionar en más de una ocasión qué es lo que le está pasando al mundo para que algunos de sus habitantes acaben pirateando para poder seguir vivos y otros deban poner en juego su vida cada vez que, simplemente, cumplen con su trabajo. Un interesante debate.

In Memoriam: Eleanor Parker (1922-2013)

Fallece una de las actrices que mejor representaron el glamour y la belleza de la edad de oro de Hollywood. Eleanor Parker formó parte de clásicos imborrables del séptimo arte y en todos ellos hizo gala de una elegancia natural. Su clase y distinción eran argumentos más que suficientes para convertirla en una de las actrices de clase A y su imagen imperecedera, gracias al cine, seguirá cautivando a futuras generaciones.

La calidad interpretativa también estuvo presente en su interesante carrera fílmica. No en vano fue nominada en tres ocasiones para el premio Oscar por su trabajo en Sin remisión (Caged, 1950), Brigada 21 (Detective Story, 1951), y Melodía Interrumpida (Interrupted Melody, 1955). Siempre recuerdo la escena de Brigada 21 en la que Parker protagoniza una contundente confesión final ante el que es su marido en el film (Kirk Douglas). Una actuación brillantísima de ambos en una película que deja huella en los días posteriores a su visionado. El papel de esposa adúltera, que se había sometido voluntariamente a un aborto, no era nada fácil de interpretar en 1951. Pero Eleanor lo defendió con enorme solvencia y su trabajo ayudó a romper algunos esquemas tradicionales del cine de Hollywood.

Eleanor Parker había nacido en el pequeño pueblo de Cedarville (Ohio). Muy pronto sintió la pasión por la interpretación y, cuando concluyó su etapa de instituto en Cleveland, emigró a California donde empezó a estudiar en el Pasadena Playhouse. 

20th Century Fox y Warner Brothers se interesaron por ella y le ofrecieron audiciones pero rechazó las propuestas para poder continuar estudiando un año más. Transcurrido ese tiempo se decidió por Warner quien le ofreció su primer contrato en 1941. Su debut estaba previsto en el clásico Murieron con las Botas Puestas (They Died with their Boots On) pero sus escenas fueron finalmente cortadas. Su primera intervención se acabó produciendo en el cortometraje bélico Soldiers in White (1942). 

Las películas de serie B siguieron nutriendo su carrera en los años venideros hasta que la industria volvió a expandirse, con el final de la guerra, y se le presentó la oportunidad de trabajar al lado de Errol Flynn en dos producciones que la dieron a conocer al gran público: Never Say Goodbye (1946) y Escape Me Never (1947). 

Un año después, obtuvo el doble papel de Laura Fairlie y Ann Catherick en la adaptación de la novela de Wilkie Collins "La Dama de Blanco (The Woman in White)". Con este papel su carrera despegó definitivamente y vivió sus mejores momentos artísticos a lo largo de la siguiente década con clásicos como Un Rayo en el Cielo (Chain Lightning, 1950), Scaramouche (1952), Fort Bravo (1953), Cuando Ruge la Marabunta (The Naked Jungle, 1954), El Valle de los Reyes (Valley of the Kings, 1954), El Hombre del Brazo de Oro (The Man with the Golden Arm, 1955), Millonario de Ilusiones (A Hole in the Head, 1959), y Con Él Llegó el Escándalo (Home from the Hill, 1960). 

Como solía suceder muy especialmente en esa época, las ofertas de trabajo descendían cuando las actrices iban ganando en edad. Así fue como sus intervenciones se redujeron en la década de los 60 aunque intervino en un musical clásico: Sonrisas y Lágrimas (The Sound of Music, 1965).

 Durante la década de los 70 empezó a trabajar con más asiduidad en la televisión participando en capítulos de The Man from U.N.C.L.E, Hawaii 5-0, Vacaciones en el Mar (The Love Boat), y también Se ha Escrito un Crimen (Murder She Wrote), ya en los ochenta. También dio prestigio a una importante lista de telefilms (incluso protagonizó una nueva versión del clásico Guess Who's Coming to Dinner). Concluyó su carrera en 1991 con la tv-movie Dead on the Money.

Son casi ochenta títulos los que adornan su filmografía pero, inevitablemente, siempre recordaremos esa larga melena pelirroja que tan bien lucía en Scaramouche. Descanse en paz.