Succession (2018-2023)

Un article d'Ester Marí

Sabeu aquell plaer provocat pel gaudi d’una obra que poca gent coneix o de difícil accés? Aquell plaer esnob i envanit que ens fa creure que som especials quan no ho som en absolut? Doncs això és tot el contrari del que passa amb Succession, una obsessió compartida a nivell planetari que ens proporciona plaer pur i autèntic, simplement perquè és una obra mestra, i com a tal, genera passions universals i eternes que van més enllà de les recomanacions hiperbòliques escrites per una seriòfila esvalotada un dimarts al matí qualsevol.

Una bona llista de premis i reconeixements refermen aquest deliri coral, però sobretot unes audiències de record en una cadena com HBO, que no va curta d’espectadors precisament, ni d’obres mestres. I és que la sèrie no ha parat de generar conversa i material a les xarxes (i als bars). Una conversa que no es genera a base de girs de guió ni d’impactes forçats, sinó que va directament al gra: Succession és una de les millors sèries dels darrers anys, i el públic ho sap. (El tercer capítol de la quarta temporada ha arribat a ser el millor valorat de la història de la plataforma IMDb).

Succession ens deixa després de 4 temporades en les que cada conversa, cada mirada i cada moviment de càmera dels seus 39 episodis són meticulosos i conscients. Un detallisme que pot passar desapercebut entre insults i bromes de mal de gust, però que és constant i eficient en la creació d’un producte de qualitat que va molt més enllà dels seus diàlegs brillants. El seu creador Jesse Armstrong, amb amplia experiència en la comèdia britànica (això no és casualitat) va aterrar a HBO amb un projecte que va començar sense gaires pretensions i que poc a poc s’ha anat obrint camí entre la crítica i l’audiència, gràcies a un guió impecable, però també a unes enormes interpretacions i una cinematografia perfecta que crea el clima adequat a un estat permanent d’alerta i neguit que caracteritzen la majoria de les escenes.

Efectivament, Succession es fonamenta en un guió excepcional que construeix una trama basada en les tòxiques relacions entre els membres d’una família de milionaris i el seu entorn de confiança. Un pare dèspota i implacable que al final de la seva vida ha de decidir quin dels tres fills heretarà el seu imperi empresarial (en realitat són quatre, però el més gran s’autodescarta des del primer capítol). Una història d’allò més shakespeariana que, malgrat flirtejar sovint amb referències a certes famílies o situacions polítiques de la vida real estatunidenca, és capaç de construir una realitat pròpia que funciona perfectament com a sàtira social, però també com a tragèdia familiar. Un còctel perfectament equilibrat entre el drama i la comèdia en el que com més es tensen les relacions entre els personatges, com més traïcions s’acumulen i com més s’allarga l’agònica decisió final (i s’allarga 39 capítols), més còmiques resulten algunes situacions. És aquell somriure que apareix com a conseqüència de la repetició, de la insistència. Com quan el nebot fa veure que cau i no et fa gràcia perquè estàs parlant amb els grans, però a la desena vegada et provoca un riure ple de tendresa, però també d’incredulitat.

Un bon guió que construeix uns personatges memorables, interpretats a la perfecció per un elenc que sobresurt com a conjunt, però que sempre troba moments per brillar individualment. Un veterà Brian Cox que no tenia res a demostrar, però que funciona perfectament com a venerat i temut líder. Un Jeremy Strong enorme com a fill que es mou entre la grandiloqüència i la desesperació constant. Una Sarah Snook que brilla en el paper d’única filla, plena de contradiccions i emocions amagades. Un Kieran Culkin que va començar sent un malèfic pallasso secundari i ha acabant destacant per ser un dels personatges més trencats de la sèrie, que és dir molta trencadissa. Matthew Macfayden, l’etern llepaculs més traïdor que traït, sempre acompanyat de l’escuder Nicholas Braun, freqüent alleujament còmic tan odiós com entranyable.

Un personatge més és la càmera. Una filmació poc clàssica però molt ben estudiada, assajada i coreografiada, que ens mostra les escenes com si l’ull de l’espectador reaccionés en temps real al que passa i es diu. Una càmera viva i subjectiva, que s’amaga i es mou com ho faríem nosaltres, per tal de tenir sempre una bona vista del que passa, però sense estar al mig. Que no sempre enfoca a qui parla, perquè a vegades el que volem saber és la cara que posa aquest o altre germà, o qui s’aixeca sobtadament de la taula. Perquè són aquests detalls els que ajuden a construir una història que es basa en el lligam que establim amb uns personatges a base d’observar-los, de veure’ls interactuar i d’analitzar curosament com difícilment el que diuen i el que pensen coincideix. Som una mena d’observadors amagats, com aquells reporters de National Geographic a la sabana africana, sempre esperant que el depredador atrapi per fi una presa.

La història dels Roy ens atrapa perquè ens permet riure de les seves misèries sense ni un gram de culpabilitat, ja que de seguida entenem que tots són menyspreables i mereixen el pitjor que els pugui passar. La història s’entreté sovint en maquinacions i complots diversos, pactes i agressions constants entre els diferents personatges i moltes, moltes mentides. Es distreu a l’espectador amb juntes d’accionistes, intents de compra i festes familiars que no fan més que embolicar la troca, mentre se li dona temps per seguir amb la seva tasca d’observador. I entre la sàtira i el drama la trama avança àcidament, donant voltes a un mateix tema: qui succeirà al gran magnat? Ningú és prou digne, tots són iguals d’egoistes i traïdors, però qui és el menys dolent? Us sona el dilema? Exacte, perquè al final del dia, segurament és gent com la que veiem en pantalla la que dirigeix el món, o la que mou els fils de qui ho fa. I riem cada vegada més fluixet, mentre la sàtira dona pas al drama. El drama de tres germans que no saben ser feliços, corruptes per un poder que anhelen sense haver-se’l guanyat, trencats per la manca d’amor, incapaços d’evolucionar perquè no contemplen ser millors. La gran tragèdia dels nostres temps, compadir-nos d’una colla de personatges que no s’ho mereixen, perquè ja sabem que a la que puguin ens convertiran en presa seva.

El Hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz, 1962)

Un artículo de Juan Pais

En una entrevista de abril de 1976 para la revista Film Comment, Paul Schrader le revela al periodista Richard Thompson sus pautas como guionista: "Creo que hay tres pasos para escribir un guión. En primer lugar, debes tener un tema, algo que quieras decir. En el caso de Taxi Driver, el tema era la soledad. Entonces encuentras una metáfora de ese tema, una metáfora que lo exprese. En Taxi Driver era el taxista, la expresión perfecta de la soledad urbana. Entonces tienes que encontrar un argumento, que es la parte más fácil del proceso. Todas los argumentos se han realizado; son bastante fáciles de ubicar, sólo funcionan a través de todas las permutaciones hasta que la trama refleja con precisión el tema y la metáfora. Empujas el tema a través de la metáfora y entonces debes tener lista la trama". Schrader hubiera podido escribir perfectamente El Hombre de Alcatraz (Birdman of Alcatraz, 1962). La libertad es el tema, incidiendo en la falta de ella, y la metáfora es el pájaro, un ser rotundamente libre. En contraposición al pájaro nos encontramos con el preso. En esta película es un recluso que tras haber encontrado moribundo a un gorrión lo cuida y sana con el propósito de que pueda volver a volar, proyectando en el ave su anhelo de libertad.

Pero Paul Schrader no escribió El Hombre de Alcatraz; lo hizo Guy Trosper, y la película fue dirigida por John Frankenheimer. Este se hallaba en un momento esplendoroso de su carrera. Formado en la televisión, integraba una generación de cineastas que provenían de ese medio y renovaban el cine con una originalidad en los temas combinada con habilidad técnica aprendida en años de trabajo catódico, en el que eran frecuentes las emisiones en directo de espacios dramáticos. Películas de Frankenheimer, como El Mensajero del Miedo (The Manchurian Candidate, 1962), sobre el tema del lavado de cerebro, entonces de actualidad, o Siete Días de Mayo (Seven Days in May, 1964), que plantea la posibilidad de un golpe de estado en Norteamérica, son buenos ejemplos de su cine, tan innovador argumentalmente como diestro en realización y montaje.

La trama, la parte del proceso más fácil según el director de American Gigolo, tampoco resultó dificultosa en El Hombre de Alcatraz. La biografía de Robert Stroud es la trama. Una vida suavizada en la película (y previamente en el libro que adapta, Birdman Of Alcatraz, de Thomas E. Gaddis). Stroud estuvo interno en diversas prisiones estadounidenses desde muy joven. Había cometido, entre otros delitos, tres asesinatos (una de sus víctimas fue un funcionario de prisiones). En la soledad de la cárcel, Stroud empezó a interesarse por la ornitología atendiendo a los pájaros heridos e investigando sobre ellos hasta convertirse en una autoridad sobre el tema. Burt Lancaster incorpora a Stroud con su habitual carisma. El Stroud que propone el protagonista de Forajidos (The Killers, 1947) es un hombre al que el tiempo (y la canaricultura) transforman en una persona sabia y juiciosa, visión que difiere de los conocidos del personaje real. En Wikipedia se recoge el testimonio de Michael Palin, compañero de prisión de Stroud (no confundir con el Monty Python): "Era un bala perdida. Era un chico que prosperaba en el caos, disturbios, conmoción. Le gustaba que otras personas participaran en este tipo de cosas, pero nunca fue un participante". Con todo, no se debe desdeñar el asombroso talento de Stroud al realizar exitosas investigaciones científicas desde la celda de una prisión, siendo además iletrado.

Además de tener como objeto la libertad, El Hombre de Alcatraz reflexiona sobre la tensión entre individuo y autoridad. Robert Stroud aparece inicialmente como un tipo rebelde y violento al que nadie puede controlar. Por supuesto, en la película sus arranques de ira corresponden a una provocación o una injusticia previa. Y su rebeldía no se refiere solamente al ámbito penitenciario. El personaje de la madre de Stroud (la gran Thelma Ritter) tiene mucha importancia en su vida. Inicialmente disfrutaban de una buena y estrecha relación, pero esta se rompió al no aceptar la señora el matrimonio de su hija con otra ornitóloga. La ruptura con la madre no es presentada como algo traumático para Stroud sino como una suerte de liberación. La madre también representaba una figura autoritaria.

El Hombre de Alcatraz cuenta con una estructura clásica. El narrador es el biógrafo Thomas Gaddis, al que da vida Edmond O'Brien. La película comienza y finaliza en el puerto de San Francisco, frente a la legendaria prisión. A lo largo de dos horas y media, Gaddis nos cuenta (sin voz en off) la vida de Stroud, con este siempre encarcelado. Desde su impetuosa juventud hasta la serena vejez. El punto de inflexión en la evolución personal del personaje es el hallazgo del gorrión una noche lluviosa. En ese momento, su vida comienza a cambiar a mejor. Cabe señalar que la narración está perfectamente ilustrada en la fotografía de Burnett Guffey (En un Lugar Solitario, De Aquí a la Eternidad), cuyos tintes expresionistas subrayan los claroscuros de la vida de Stroud.

Frankenheimer propone una perspectiva humanista, incidiendo en la dignidad que Stroud descubre en sí mismo al volcarse en la ornitología. Las penas de prisión tienen una función punitiva y también rehabilitadora, pero puede advertirse que Stroud nunca hubiera cambiado (salvo para peor) si no hubiera encontrado su camino. Eso fue lo que le salvó. Su actividad investigadora sobre los pájaros se ciñó a su estancia en la cárcel de Leavenworth, y cuando fue trasladado a Alcatraz no pudo continuar con ella. Sin embargo, la ornitología había despertado en él una curiosidad intelectual que sació estudiando el sistema penitenciario estadounidense, con conclusiones negativas que plasmó en un libro, Looking Outward: A History of the U.S. Prison System from Colonial Times to the Formation of the Bureau of Prisons, en el que denunciaba que la cárcel destruye el individualismo y el preso acaba siendo una suerte de ser maquinal cuyas creencias y ética son reprimidas La historia de Robert Stroud, tal y como está reflejada en El Hombre de Alcatraz, es una historia de redención (lo que nuevamente relaciona esta película con el cine de Paul Schrader)

Tal y como se ha señalado anteriormente, la película suaviza en cierta medida la personalidad de Stroud. Parece ser que era un hombre pendenciero, violento, difícil, pero también se dice que en sus últimos años se convirtió en un tipo sencillo y tranquilo. Lo que no se puede negar es que contó con una inteligencia sobresaliente. En una escena de El Hombre de Alcatraz el médico de Leavenworth se pronuncia sobre el tratado de enfermedades aviares escrito por Stroud: "(...) Es un estudio muy científico de la patología, enfermedades de los pájaros [...] Creo que es un genio [...] Con una instrucción mínima, se ha convertido en un experto en hematología, sangre, histología, tejidos, anatomía. Estudios que ya son difíciles en la Universidad y que aprendidas por él en una celda sobrepasa toda imaginación. Ha pasado más de tres mil horas ante su microscopio, ha hecho cientos de dibujos y más de cinco mil muestras de tejidos. Tiene una de las mejores colecciones de muestras microscópicas. Sabe más de anatomía aviar y patología que nadie en el mundo".

Retratos de una vida fílmica: Terrence Steve McQueen (1930-1980)

Un artículo de Juan Pais

La vida no fue inicialmente fácil para Steve McQueen. Nacido el 24 de marzo de 1930 en un suburbio de Indianápolis, Terrence Steven McQueen fue el fruto de una efímera relación entre un piloto de acrobacias automovilísticas, William McQueen, y una joven alcohólica que ocasionalmente se dedicaba a la prostitución, Julia Crawford. Incapaz de encargarse de su hijo por sí misma, Julia se lo entregó a sus padres para que lo criaran, y posteriormente el niño pasó a casa de un hermano de su abuela, propietario de una granja. Steve guardó siempre muy buenos recuerdos de su tío abuelo, Claude. Al no haber conocido nunca a su padre, que abandonó a Julia antes de que él naciera, representó para Steve una figura paterna. Cuando a los ocho años el pequeño regresó junto a su madre, que se había casado, Claude le regaló un reloj de bolsillo con la inscripción: "Para Steve – Quien ha sido un hijo para mí".

Por desgracia, las cosas con su madre no fueron bien, ya que el padrastro, un hombre violento, le pegaba con frecuencia. Harto de esos abusos, Steve huyó de casa y vivió, siendo un niño, en las calles, llegando a unirse a una banda y cometiendo pequeños delitos. Una vez localizado, Julia lo envió de nuevo con el tío Claude, y tiempo después, cuando se hubo divorciado de su marido y casado con otro, reclamó al niño a su tío. El nuevo padrastro era peor que el anterior, y los castigos y las palizas se repetían. Steve, ya adolescente, estaba lleno de ira y dolor a causa de la desdichada vida. Una nueva estancia en la granja de Claude no sirvió de mucho y un buen día, sin despedirse, el joven McQueen abandonó aquella granja donde había pasado los únicos días felices de su joven vida.

El reformatorio fue su siguiente destino. La policía le había detenido y enviado al hogar materno. La madre no sabía qué hacer con su díscolo hijo y el padrastro la presionó para que lo enviase al California Junior Boys Republic, en Chino, California, un lugar en el que maduraría y que le marcaría para siempre. De hecho, cuando se convirtió en una estrella, siguió vinculado al centro, al que hacía regulares visitas y enviando ropa y regalos a los muchachos internos, con muchos de los cuales se carteaba habitualmente.

Cuando salió del reformatorio y tras desempeñar diversos trabajos, como leñador o marinero, Steve se alistó en los Marines en 1947. Como sucedió en el reformatorio, le costó trabajo someterse a la disciplina del cuerpo militar. Pero poco a poco fue entrando por el aro, y en 1950 se licenció con honores. Había salvado la vida de unos compañeros durante unas maniobras en el Mar Ártico, y como reconocimiento fue asignado a la guardia de honor del presidente Truman, siendo destinado al yate presidencial. Steve declaró posteriormente que había disfrutado mucho de su etapa militar.

En los años cincuenta, los soldados que se licenciaban recibían una ayuda económica para que pudieran reintegrarse a la vida civil. A Steve le había picado el gusanillo de la interpretación y decidió prepararse para ser actor. Tras estudiar con Sanford Meisner y Lee Strasberg en los neoyorquinos Neighborhood Playhouse y Actor's Studio, consiguió debutar en Broadway con la obra Un Sombrero Lleno de Lluvia (A Hatful of Rain), de Michael V. Gazzo, protagonizada por Ben Gazzara. Se había convertido en actor, y soñaba con el éxito que posteriormente alcanzaría.

Después de Broadway, el siguiente paso para triunfar consistía entonces, al igual que ahora, en trasladarse a Hollywood. Steve no se lo pensó dos veces y viajó a la lejana California, consiguiendo su primer papel en el cine como raterillo en Marcado por el Odio (Somebody Up There Likes Me, 1956), con Paul Newman de estrella. Otros papeles secundarios le llevaron a su primer protagonista en el sci-fi La Masa Devoradora (The Blob, 1958), aunque la fama le vendría al desempeñar el rol de Josh Randall en la serie televisiva Wanted: Dead Or Alive, un western sobre cazadores de recompensas.

McQueen ya era un hombre casado en los años 60, la década en que se convertiría en una superestrella. Su mujer se llamaba Neile Adams, también actriz,y era la madre de sus hijos Terry y Chad. No fue fácil para Neile estar casada con un hombre que según iba logrando éxitos con Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven, 1960) o La Gran Evasión (The Great Escape, 1963), dos clásicos del western y del cine bélico respectivamente, se convertía en un sex symbol, deseado por muchas mujeres. Además, McQueen se dejaba querer y en muchas ocasiones fue infiel a Neile.

En los años 60 y 70, Steve alternó inteligentemente papeles en películas de acción, como Bullitt (1968) o El Coloso en Llamas (The Towering Inferno, 1974), con otros más dramáticos (Junior Bonner o Papillón), lo que redundó en su prestigio interpretativo. Incluso en 1978 se atrevió con una adaptación de Un Enemigo del Pueblo (An Enemy of the People), de Ibsen, saliendo bastante bien parado del desafío. El mito McQueen, que se empezó a crear con películas como El Rey del Juego (The Cincinnati Kid, 1965), El Yang Tsé en Llamas (The Sand Pebbles, 1966) o Nevada Smith (1966), presenta a un personaje rebelde pero de buen corazón y amante de las emociones fuertes (en la vida real, McQueen era piloto de de carreras). No tardaron en llamarle el rey del cool.

El matrimonio McQueen-Adams acabó por disolverse en 1972, y el protagonista de El Caso de Thomas Crown (The Thomas Crown Affair, 1968) al año siguiente se casó con Ali McGraw, su compañera de reparto en La Huida (The Getaway, 1972). El matrimonio fue muy publicitado y turbulento, y Steve, bastante misógino, pretendía que Ali se quedase en casa con la pata quebrada. Aquello no funcionó, claro. Posteriormente, en 1980, contrajo de nuevo matrimonio con la modelo Barbara Minty, mucho más joven. Parecía que había encontrado con ella la estabilidad, pero el destino le tenía preparada una mala pasada.

McQueen había estado expuesto al amianto en muchas ocasiones, tanto cuando fue marine y desempeñó trabajos mecánicos como cuando conducía coches de carrera (los trajes de piloto contienen el peligroso mineral), y desarrolló un letal cáncer de pulmón llamado mesotelioma pleural. Cuando le dijeron que le quedaba poco tiempo de vida, el actor, desesperado, buscó una solución a su problema en tratamientos de dudosa eficacia que ofrecían médicos de moralidad aún más dudosa. Así fue como llegó a Ciudad Juárez, México, donde falleció el 7 de noviembre de 1980, a los 50 años.

A más de treinta años de su muerte, Steve McQueen sigue representando como nadie la virilidad y la rebeldía. Su aspecto es rudo pero su gesto afable. Es alguien a quien los hombres imitan y a quienes las mujeres aman, un icono no sólo del cine sino de la cultura popular; algo que no demasiados actores han conseguido.

AIR (2023)

Un artículo de Mike Sanz

Es 1984 y la empresa Nike necesita un milagro. Se mantiene gracias a las ventas de las zapatillas para correr, mas no parece tener nada que hacer ante la dura competencia de la alemana Adidas y de Converse, la reina de las zapatillas de baloncesto. Sonny Vaccaro, uno de los responsables de Nike, toma una decisión desesperada: diseñar una zapatilla exclusivamente para uno de los jugadores novatos de la NBA, un tal Michael Jordan.

Air es el esperado regreso de Ben Affleck a la dirección de largometrajes. La historia de este actor es un buen ejemplo de los devaneos tan característicos de la industria hollywoodiense: Affleck comenzó a trabajar de actor infantil, fue un intérprete clave del cine independiente de los noventa, hasta el punto de contribuir a las carreras de Richard Linklater y Kevin Smith; ganó el Oscar al mejor guion original junto a su amigo Matt Damon por El Indomable Will Hunting (Good Will Hunting, 1997), se convirtió en estrella de acción a finales de los noventa y principios de los dos mil, fracasó, interpretó a Batman y, mientras tanto, su vida privada generó todo tipo de titulares entre las adicciones varias y las relaciones sentimentales con Jennifer Garner, Ana de Armas y Jennifer López, su actual esposa.

En 2007, Affleck debutó en la dirección con Adiós, Pequeña, Adiós (Gone Baby Gone), una película de género negro en la que adaptó una novela de Dennis Lehane y visitó el submundo criminal de Boston, ciudad en la que se crió. En este mismo lugar se ambienta The Town (2010), la segunda gran película de Affleck. Demostró gran habilidad para dirigir a los actores, al mismo tiempo que mantenía un pulso clásico que combinaba la influencia de Michael Mann en las escenas de acción. El reconocimiento unánime llegó en 2012 con Argo, la dramatización de la crisis de los rehenes de Irán que supuso todo un ejercicio de estilo narrativo y un canto a la imaginación por parte del director y protagonista. Todo lo contrario que la cuarta película que dirigió Affleck, Vivir de Noche (Live by Night, 2016). Tenía todos los ingredientes para triunfar: adaptaba otra novela de Dennis Lehane, se ambientaba en el Boston de la Ley Seca y contaba con un reparto de actores fetiches que ya habían trabajado a las órdenes de Affleck. Vivir de Noche fue una película anodina, plagada de clichés soporíferos, ¿quién sabe si por las presiones de la Warner? Lo único destacable fueron las interpretaciones de Elle Fanning y Chris Cooper.

Poco a poco, Ben Affleck dejó atrás el fracaso de Vivir de Noche y volvió a ponerse detrás de las cámaras para escribir, junto a Matt Damon, el guion de El Último Duelo (The Last Duel, 2021), que acabó dirigiendo Ridley Scott. En 2023, nos ha sorprendido con AIR, su quinto largometraje en calidad de director. La película sigue el guion del debutante Alex Convery, el cual dramatiza el proceso de creación de las emblemáticas Air Jordan, las zapatillas con las que Nike y Michael Jordan se han embolsado millones y millones de dólares. Aunque la trama de AIR puede resultar ramplona y poco sorprendente, dado que todos conocemos el final, no hay duda de que se trata de una gran película.

El guion de Convery es divertido y busca la humanidad que yace en el fondo de una trama empresarial y deportiva. Es decir, la premisa de AIR es casi idéntica a la de películas como Moneyball (2011): los tejemanejes del mundo del deporte, los fichajes y el marketing son la excusa para explorar los anhelos, las contradicciones y los sueños que mueven a los protagonistas. Hay personajes como el Sonny Vaccaro de Matt Damon y el Rob Strasser de Jason Bateman que se vuelcan en su trabajo para escapar de los errores que han cometido en otras facetas de la vida. En AIR también hay lugar para el discurso barato de darlo todo por el trabajo, con jornadas interminables y fines de semana sin descanso en las oficinas de Nike. Por suerte, el tono cómico se mantiene y la película avanza al ritmo de las conversaciones que mantienen los protagonistas, a las cuales Affleck saca partido con los clásicos juegos de plano y contraplano y otros recursos más modernos, caso de los travelings circulares.

La recreación de la época es maravillosa. El diseño de producción cuida los detalles y sumerge a los espectadores en plena era Reagan, a lo cual ayuda la cuidada selección musical que compone la banda sonora: AIR abre y cierra con canciones de Dire Straits y Bruce Springsteen, respectivamente, y entre ellas desfilan temas de Cindy Lauper, Night Ranger y hasta la sintonía de Superdetective en Hollywood (Beverly Hills Cop, 1984), que nos recuerda los años en que un tipo llamado Eddie Murphy rompía con las reglas del cine de humor.

La dirección de actores es excelente y Affleck cuenta con algunos de los colabores habituales de sus películas, secundarios cumplidores como Chris Messina y Matthew Maher. Rescata a Jason Bateman para un solvente papel dramático y a un recuperado Chris Tucker, cede a la titánica Viola Davis un par de escenas para que se luzca y destaca la inteligente decisión de no mostrar nunca a Michael Jordan en pantalla, más allá de las imágenes de archivo. Matt Damon soporta con holgura el protagonismo de AIR, pues lleva años encarnando al estadounidense blanco y medio, como ya probara en Cuestión de Sangre (Stillwater, 2021) y las excelentes Le Mans 66 (Ford v. Ferrari, 2019) y Marte (The Martian, 2015). Ben Affleck se reserva para sí mismo un divertido papel secundario, el del presidente de Nike, Phil Knight. A pesar de que cae en el manido tópico del empresario que se pelea con la junta directiva por el bienestar de sus trabajadores (un elemento de ciencia ficción), sus ademanes y excentricidades lo convierten en un personaje agradable que complementa al protagonista.

AIR se alza como una de las primeras sorpresas cinematográficas de 2023, gracias a un guion divertido, la minuciosa recreación de una era que guarda más similitudes con el presente de las que pensamos, el excelente trabajo del reparto y el oficio narrativo de un director con dotes clásicas. Ojalá Ben Affleck vuelva a dirigir otra película pronto. La estaremos esperando.